Richard Ashcroft no tiene interés en el “INDIE ROCK”de hecho esta en contra de el

Después de seis largos años de espera, Richard Ashcroft volvió a mediados de 2016 con su nuevo álbum These People, en el que se dedicó a plasmar varios conflictos políticos actuales y fue grabado desde el sótano de su casa, experimentando con nuevos sonidos.

Parte de su inspiración partió de sus contadas presentaciones en 2015, incluyendo el show acústico del Corona Capital de ese año, por lo que una vez que comenzó su gira con la banda completa, decidió regresar para dar el concierto que había prometido, con todos los instrumentales en CC16. En dicho evento compartió escenarios con The Killers, Band of Horses, Courtney Barnett, entre muchos otros actos de la escena indie, que Ashcroft ha evitado en secreto todos estos años… esperen, ¿qué?

Siguiendo la tendencia de señor amargado que Noel Gallagher impuso, Richard Ashcroft platicó acerca de por qué no es tan fanático del indie de hoy en día, mientras daba una entrevista con Radio X, señalando que prefiere escuchar a Rihanna (¿es neta Richard?).

“Solo porque algo es tipo indie o como sea y solo pocas personas lo conocen, no le da mayor autenticidad sobre “Work Work Work” de Rihanna. Prefiero escuchar el intro de su canción que el 90% de la mierda que es supuestamente aclamada por la crítica o considerada rock alternativo”.

Si esta es su opinión acerca de la música actual, no podemos evitar preguntarnos qué es lo que Ashcroft escuchará en sus tiempos libres (cuando no está haciendo música).

También puso el ejemplo con su trabajo junto a The Verve y su éxito más popular “Bittersweet Symphony” que demuestra que “puedes hacer algo único y el publico puede aceptarlo mientras es enorme y popular al mismo tiempo”. Tal  olvidó que cuando él también comenzaba, no todos conocían a su banda y formaba parte de lo “mainstream” de aquel entonces.

La Ciudad de Chicago reconocerá como forma arte la música electrónica, rock y rap

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Resulta sorprendente que una ciudad con una riqueza musical como Chicago aún no reconozca las actuaciones de Música ELECTRÓNICA, ROCK y RAP como una “forma de arte”, pero eso va a cambiar, tal y como ha comunicado John Fritche, comisario del Condado de Cook.

La inclusión de eventos en directo de Música ELECTRÓNICA, ROCK y RAP, así como las sesiones de DJs como arte afecta en concreto a los impuestos que los promotores tienen que pagar, de esta forma se verá reducido notablemente.

A finales de este mes está prevista la audiencia para determinar si se pone en funcionamiento esta nueva medida, salvo algún contratiempo de última hora parece ir bien encaminada, una vez aplicada las salas de música en directo y los clubs pagarán unos impuestos del 3%.

Este reclamo para que la música en directo sera reconocida como una forma de arte comenzó después de que en Agosto dos pequeños clubs, Beauty Bar y Evil Olive, fueran obligados a pagar 200.000 dólares en tasas, según apunta Thump.

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Fans conmemoran 40 años del primer ensayo de U2

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El 25 de septiembre de 1976 los integrantes de la banda se reunieron en la cocina de Larry Mullen.

Los fans de la banda irlandesa U2 celebran esta semana los 40 años desde que los cuatro miembros del grupo se reunieron por primera vez en la cocina del baterista Larry Mullen para ensayar.

Bono (cantante), The Edge (guitarra, teclado y voz) y Adam Clayton (bajo) respondieron hace cuatro décadas a un anuncio colgado por Mullen en el tablón de la Temple Mount School de Dublín que decía: “Batería busca músicos para formar una banda”.

Coincidiendo con el aniversario del nacimiento del grupo, el Little Museum de la capital irlandesa dedica a la banda una exposición sobre su historia con material aportado por sus incondicionales, mientras que este fin de semana se celebraron diversos conciertos como tributo al grupo.

El 25 de septiembre de 1976, los cuatro adolescentes de pelo voluminoso, vestidos con vaqueros y chaquetas de cuero, se reunieron para formar una banda que inicialmente bautizaron como Feedback.

“Este extraño grupo de gente se reunió en mi cocina en Artane -zona residencial norte de la ciudad de Dublín-. Y ahí es dónde empezó”, describe Mullen en la página web de U2.

Clayton relata por su parte que había descubierto el rock and roll tres años antes -con trece años- y que convenció a su padre para que le compraran un bajo: “Simplemente sonaba bien para mí. Profunda, desbordante y satisfactoria”, enfatizó el músico.

Llenos de pasión e inspiración por la música PUNK, los cuatro pasaron horas ensayando en la cocina de Mullen.

El guitarrista The Edge afirma que recuerda el momento en que se dio cuenta de que en realidad no importaba si no sabían cómo tocar, sino que el atractivo de su música tenía relación “la energía” y con que “trataba de decir algo”.

Su primer álbum como U2 se llamó “Boy” (1980), pero fue con “War” (1983) -su tercer disco- cuando alcanzaron su primer número uno en el Reino Unido.

En la actualidad, la banda tiene más premios Grammy que ninguna otra, pues en estas cuatro décadas han recolectado un total de 22 estatuillas y han vendido aproximadamente 150 millones de copias de sus trabajos.

 

#UnDíaComoHOY hace 25 años fue liberado el álbum “Nevermind” de Nirvana

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El ‘Nevermind’ de Nirvana cumple 25 años.

El disco convirtió a los miembros de la banda estadounidense en estrellas mundiales y, casi sin querer, en referentes de moda.

nevermindLa depresión, la rabia y la angustia reventaron las listas de éxitos gracias al grito desesperado de Nirvana en Nevermind, el disco que este sábado cumplirá 25 años de su lanzamiento y que, con su ROCK atormentado y herido, llevó el estilo “GRUNGE” al apogeo de su revolución.

Liderado por un mártir ateo y arrastrado por el huracán de Smells Like Teen Spirit, tal vez la canción más importante e influyente del ROCK de los años 90’s, Nirvana voló muy alto con Nevermind, pero su éxito también encaminó a su cantante Kurt Cobain a un laberinto de autodestrucción del que no saldría con vida.

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El origen del grupo se sitúa en 1987, cuando se unen en Aberdeen, una ciudad a unos 180 kilómetros de Seattle, el bajista Krist Novoselic y el vocalista y guitarrista Kurt Cobain, cuya infancia en una conflictiva familia se traduciría en una personalidad frágil y con serios problemas.

En su disco de debut, el crudo y áspero Bleach (1989), todavía no contaban con el baterista Dave Grohl, que cerraría la formación clásica de Nirvana y quien, tras el fin de la banda, enfocó hábilmente su carrera con Foo Fighters.

Pese a ser el lugar de nacimiento de Jimi Hendrix, Seattle no era, históricamente, un foco emblemático del ROCK estadounidense.

Sin embargo, las cosas estaban cambiando y desde la segunda mitad de los años 80’s surgieron bandas como Melvins, Soundgarden, Mudhoney y Pearl Jam que, bajo el liderazgo de Nirvana, darían forma al “GRUNGE” como hijos reconocidos del PUNK y el “HARDCORE” y decididos a romper algún tímpano a base de ruidosos guitarrazos.

Nevermind llegó en un momento inmejorable. En los ochenta había arrasado el pop de sintetizadores; los miembros de Guns N’Roses estaban demasiado ocupados entre peleas y polémicas; y el heavy metal, pese al fabuloso éxito de Metallica con Black Album (1991), perdía impulso y se enrocaba poco a poco en su propio público.

Entre los jóvenes había hambre de ROCK y, sobre todo, de autenticidad, de música genuina que les hablara a las entrañas.

Inadaptación, problemas de autoestima, soledad, incomprensión, apatía y nihilismo. Nevermind apelaba con cólera a todo eso para conectar con la frustración de una juventud acosada y perdida que describió Michael Azerrad en la biografía Come As You Are: The Story of Nirvana (1993).

Los veinteañeros buscaban música hecha por ellos mismos, algo que expresara lo que sentían. Un impactante número eran hijos de un divorcio. Sabían que iban a ser la primera generación de EU en tener poca esperanza de estar mejor que sus padres, que sufrirían los excesos fiscales de (el presidente Ronald) Reagan en los años 80 y pasarían su plenitud sexual bajo la sombra del sida”, escribió.

Se sentían incapaces de rescatar un medioambiente asediado y pasaron la mayor parte de sus vidas con Reagan o (George) Bush (padre) en la Casa Blanca, padeciendo un clima represivo en lo sexual y lo cultural. Se sentían indefensos para afrontar todo eso”, añadió.

Pero, al margen de cualquier explicación, Nirvana triunfó gracias a unas canciones incontestables. Smells Like Teen Spirit, que no paró de pasarse por la MTV, tenía un riff arrollador y una letra enigmática, Come As You Are sonaba inquietante e intensa a partes iguales, y Lithium celebraba la extravagancia y el desamor.

La urgencia PUNK de Breed, un canto al hastío, contrastaba con la austeridad de Polly, inspirada en un caso real de violación a una menor y que ejemplificaba el turbio tono lírico del álbum.

La música me ha dañado físicamente en dos sentidos. Tengo una irritación en el estómago, provocada por la rabia y los gritos”, dijo en una ocasión Kurt Cobain, según el libro ‘Yeah! Yeah! Yeah!’ de Bob Stanley (2013).

También tengo escoliosis, una desviación de la columna, que se ha agravado con el peso de la guitarra. Siento dolor a todas horas, lo cual contribuye a la rabia de nuestra música. En cierta manera le estoy agradecido”, añadió.

Cuando salió nuestra música, creo que fue una combinación de ‘porreros’, ‘skaters’ y chicos abandonados que vieron a un grupo de chicos abandonados tocando música que sonaba como si estuviéramos cabreados. Creo que mucha gente se identificó con eso”, apuntó, por su parte, Dave Grohl en el libro Come As You Are.

Nevermind, que vendería millones de copias y en 1992 lograría desbancar del número uno a Dangerous (1991) de Michael Jackson, convirtió a los miembros de Nirvana en estrellas mundiales y, casi sin querer, en referentes de moda con sus pintas desaliñadas, camisas de leñadores y jeans rotos.

Trágicamente, la inestable y quebrada mente de Cobain no estaba preparada para aquel fenómeno de masas.

Nirvana grabó los discos In Utero (1993) y MTV Unplugged in New York (1994), pero los demonios del cantante, sus frecuentes desequilibrios y su adicción a la heroína ganaron finalmente la partida: la gran figura del “GRUNGE” se suicidó el 5 de abril de 1994.

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Enamórate escuchando de ‘Un Par de Lugares’ nuevo sencillo de Café Tacvba

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“Lo más emocionante de una nueva canción es cuando se escucha por primera vez en la calle, y ese día es hoy. ¡Gracias a todos! #UPDL #UnParDeLugares“.

Uno de  los grupo más emblemáticos del ROCK Mexicano Café Tacvba esta de regreso con su publico que lo quiere y les regala su primer sencillo ‘Un Par de Lugares’, con la producción de Gustavo Santaolalla y la colaboración de Nathan Mick Gazauski en la grabación, Café Tacvba VUELVE y este es el primer adelanto de su nuevo disco de estudio que llegará en 2017.

‘Un Par de Lugares’ es “una canción que habla sobre la ausencia y sobre cómo estando en ese par de lugares –que son la mente con sus pensamientos y recuerdos, y el corazón con sus sentimientos– podemos superar el dolor que nos causa”.

Rubén Albarrán

La grabación de ‘Un Par de Lugares’ se llevó a cabo en el estudio Soga de Jiutepec, Morelos, y contó (como es costumbre desde hace varios años para la banda) con la colaboración de Luis Ledezma en la batería.

Así que si les parece… ¡escuchemos, disfrutemos y enamorémonos de ‘Un Par de Lugares’ de Cafe Tacvba! DISFRUTALA!!!

https://youtu.be/-dPSt_MC1Jo

Review: Definitivamente lo tienes que escuchar ‘Anything But Words’ de “Banks & Steelz”

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A dos semanas de su lanzamiento Anything But Words se ha convertido en uno de los discos mas significativos de este año. El primer álbum de Banks & Steelz banda nacida de la unión entre el cantante Paul Banks (Interpol) y el rapero RZA (Wu-Tang Clan) es exactamente lo que uno esperaria de un proyecto proveniente de estas dos mentes que juntan años de conocimiento y experiencia en el mundo del INDIE ROCKy el HIP HOP.

Con un sonido retro-futurista que de momentos suena tan reminiscente del SOUL de los 70’s como de la escena electrónica actual y con colaboraciones como las de Florence Welch y Ghostface Killah este álbum nos ofrece algo mas que una simple mezcla de RAP/ROCK nos ofrece un sonido nuevo digno de repetidas reproducciones. Si todo lo anterior te parece ligeramente atractivo entonces tienes que escuchar esto que te dejamos aquí:

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Boyz Noize: Saca un inédito y viejo track de Daft Punk con Pharrell Williams

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Por allá en el año 1999 se formó un proyecto llamado N*E*R*D conformado por los productores Pharrell Williams y Chad Hugo, quienes en ese momento conformaban una dupla increíble llamada The Neptunes. N*E*R*D se separó en el 2005 y luego se reunieron poco después para sacar dos discos más, pero dejó un legado de beats tremendo con cuatro álbumes que combinaban el ROCK, el FUNK, y el HIP HOP de manera exquisita. Uno de sus más grandes éxitos fue el track She Wants To Move, que tuvo aproximadamente unos 723 remixes, incluyendo algunos hechos por Mac & Toolz, DFA Records (cuya versión contaba con la participación de Common, Mos Def, De La Soul y Q-Tip), Basement Jaxx y Justice.

Al parecer, uno de los remixes que nunca llegamos a escuchar fue uno de Daft Punk, pues anoche salió a la luz justamente una mezcla inédita hecha en 1994 por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. El encargado de estrenar el tracks fue el DJ Boyz Noize, quien estuvo anoche haciéndole un homenaje a las producciones de los sellos disqueros de los franceses en su programa de la radio londinense Sirius XM Electro.

Es claro que la relación entre N*E*R*D y Daft Punk siempre ha sido buena: sólo hace falta recordar esa mágica colaboración del 2013 con Pharrell Williams llamada Get Lucky. Daft Punk hace poco estuvo en el estudio grabando algo con The Weeknd, así que esperamos poder escuchar cómo suena eso.

Aquí les dejamos el funky remix de N*E*R*D hecho por Daft Punk:

Lollapalooza Berlín tendrá una tercera edición en septiembre de 2017

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El festival de música INDIE, POP, ROCK Lollapalloza regresará a Berlín el año que viene, el nueve y diez de septiembre, según confirmó hoy la organización en una rueda prensa.

Sin embargo, “es seguro al cien por cien” que no repetirá ubicación en el parque Treptower Park (este de Berlín), ya que tuvieron que hacer frente a distintas iniciativas por parte de los vecinos para que no se celebrará allí.

Este año la idea era repetir en el antiguo aeropuerto de Tempelhof, pero varios de sus hangares está siendo utilizados como centro de acogida de refugiados, por lo que se optó por trasladar el festival a Treptower Park.

A lo largo del fin de semana se considera que han participado en el Lollapalooza unas 140.000 personas, entre un 30 y 40 % de ellas, visitantes extranjeros, en su gran mayoría europeos.

Los participantes, además de la música, pudieron disfrutar del espacio verde (Grüne Kiez); del arte callejero (Lolla Fun Fair) y de un museo con una exposición de pinturas; y del Kindzapalooza, un espacio para los más pequeños.

La capital alemana es la cuarta ciudad escogida para recibir al festival, y la única de Europa, antecedida por varias ediciones en países latinoamericanos como Chile (2011), Brasil ( 2012) y Argentina (2014).

Lollapalooza, significa, según el diccionario, algo genial o maravilloso y fue concebido en 1991 por el cantante de la banda estadounidense Jane’s Addiction, Perry Farrell.

Hace 45 años, Reflejos de rebeldía Festival de Avándaro

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Graciela Iturbide expondrá ‘Un episodio de la contracultura mexicana’ que se inaugura el 14 de septiembre en el Museo del Chopo.

Graciela Iturbide (Cd. de México, 1942) retrató la libertad. La libertad hecha música. La música hecha  rock. El ROCK hecho protesta. Fotografió el reproche de una generación bajo el cobijo de la contracultura. La expresión de 250 mil jóvenes que se manifestaron al unísono contra la represión política y social. Captó sus miradas de reprobación y sus cuerpos enfiestados en un exhaustivo acto de rebeldía. Registró con su cámara réflex el famoso Festival de Avándaro, la tremenda fiesta de los rockeros mexicanos en 1971.

¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Graciela Iturbide, Avándaro. Un episodio de la contracultura mexicana se inaugura el 14 de septiembre, a las 19:00 horas, en el Museo Universitario del Chopo (Doctor Enrique González Martínez 10, Santa María la Ribera).

La casualidad llevó a la fotógrafa mexicana al pueblo de Valle de Bravo. “Yo no sabía nada de rock, ni sé ahora”, confiesa. Pero de la jornada musical obtuvo más de 50 instantáneas en color y en blanco y negro; una crónica visual del 11 y 12 de septiembre de 1971, el festival de rock considerado el más importante en México. “Llegué por casualidad, yo no iba a hacer foto, sólo acompañaba a mi maestro (el cineasta) Jorge Fons”, recuerda en entrevista.

El ejercicio de memoria viene a cuenta por el 45 aniversario del Festival Rock y Ruedas de Avándaro —nombre real—, que el Museo Universitario del Chopo conmemora con la exhibición de 56 fotografías de la artista, en su versión original. Es la muestra Graciela Iturbide, Avándaro. Un episodio de la contracultura mexicana, con la curaduría de Álvaro Vázquez Mantecón. Un relato de la mirada “empática” y “curiosa” de quien iniciaba su trayectoria en la lente.

Yo empezaba hacer fotografía, y estas imágenes son una experiencia de mis primeros trabajos en la fotografía.

Iba con mi maestro Jorge Fons, porque él iba a grabar sobre todo al grupo (La Revolución de) Emiliano Zapata.

Yo llevaba mi cámara y me puse hacer fotos”. Era la época en que Iturbide estudiaba en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM, y era asistente de Manuel Álvarez Bravo. Tenía 29 años de edad.

La libertad en todas sus expresiones capturó la atención de la artista Premio Nacional de Ciencias y Artes (2008). Ese espíritu desenfadado que congeló en retratos de jóvenes con jeans acampanados, cabellos largos, descalzos y cigarro en mano. Grupos de rebeldes que cantaron y bailaron con los Dug Dug’s de Armando Nava, El Ritual, Bandido, Los Yaki con Mayita Campos, La Ley de Herodes, Soul Masters, La Fachada de Piedra y el Oso Milchorena.

Era una experiencia diferente de lo que había vivido antes. La gente se desnudó, había mota, y todo me pareció muy interesante. Y ahí cualquier persona podía hacer foto, me gustó mucho haber estado ahí”, relata. Estas fotos se publicaron por primera vez en el libro Avándaro (Editorial Diógenes, 1971), con textos de Luis Carrión; ahora la editorial Trilce replicará el ejemplar con textos de la fotógrafa y Federico Rubli.

Las imágenes proyectan la perplejidad de la sociedad mexicana. Pero Iturbide no registra conflictos, no denuncia, no juzga, no oculta. Su imagen cuenta una historia, y lo hace en complicidad con los protagonistas. “Era una fiesta y todo mundo podía fotografiar, por eso era bastante fácil hacer este trabajo en colaboración con ellos.

Me quedé desde que inició el primer día hasta que se fue la gente y quedó el basurero”.

Y si bien las fotos muestran una calidad estética, la artista las ve como trabajo de principiante.

“No es un trabajo maravilloso, aproveché todo lo que vi y al final quedó algo interesante”.

Mirada empática

Para el historiador Álvaro Vázquez Mantecón, las fotografías son una inmersión total de Iturbide en el momento y espacio: “Graciela se funde con el festival”. A partir de la empatía, la fotógrafa consigue proyectar la convivencia en los campamentos, el éxtasis sobre el escenario, la explosión de colores, la naturalidad de los cuerpos desnudos, el despecho de la contracultura. “Creo que es un momento de Graciela que tiene ya definido su estilo de fotografiar: esa mirada atenta sobre la gente, un diálogo con la persona retratada”.

Entonces no son fotografías de alguien ajeno, sino de una artista que establece relación con los personajes, y estos conscientes de su interlocutor se dejan mirar, permiten el registro de su rebeldía. Y a la distancia las instantáneas hablan de la generación que, posterior a la represión estudiantil de octubre 1968 y de junio de 1971, se abre a la contracultura como una opción de expresión. Esa cultura fuera del nacionalismo, de la música “elite” y más bien experimenta sus propias creaciones.

El festival fue polémico en la historia cultural y social de la primera mitad de los años 60 en México y corrieron versiones positivas y negativas; hubo una mirada de la prensa amarillista que juzgó mucho el consumo de drogas. Entonces la visión de Graciela es un punto de vista más, pero es válido porque fue empático con los personajes, no hay una crítica sino un diálogo con ellos”, refiere el curador quien describe la mirada de la artista como curiosa.

Vázquez Mantecón incluyó al recorrido expositivo una serie de documentales de la Filmoteca de la UNAM que contextualizan las fotografías de Iturbide. Incluso evidencia una perspectiva similar entre los cineastas y la artista en el sentido de buscar relatos.

La exposición divide los dos días del festival en cuatro momentos clave: la expectativa que generó el concierto, el éxtasis del momento, la explosión musical y el final de la fiesta.

Lo importante en el rescate de una historia como esta es la reflexión de cómo ocurrió esa contracultural, porque es cierto que Avándaro fue punto de partida de una historia muy larga del rock mexicano, compleja y variada”.

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Nicole Moudaber & Skin, lanzan nuevo álbum “BREED The RMXS” en MOOD Records

Skin & Nicole Moudaber

A justo un año atrás Nicole Moudaber y la rockera de hermosa piel morena Skin de Skunk Anansie para ser exacto en Septiembre del 2015 lanzaron su (BREED EP 2015), donde fusionaron sus talentos musicales el TECHNO y ROCK, el reconocimiento mundial se dio por si solo y la canción fue presentada y aceptada para su consideración en la participacion de los Grammys.

Un año mas tarde Nicole y Skin liberan con gran orgullo y emoción su EP “BREED The RMXS” todo un disco lleno de remezclas cuidadosamente estudiadas con la participación de los prominentes productores Carl Craig, Fur Coat, Hector, Jamie Jones, Jerome Sydenham, MJ Hall, Paco Osuna, Pan-Pot, Paul Ritch y Scuba  (en orden alfabético) que aseguran cada tranck estara lleno de emociones para cada gusto musical.

Nicole Moudaber y Skin’s ponen a la venta ‘BREED The RMXS’ de MOOD Records exclusivamente en Beatport.

TOUR

Y por cierto Nicole Moudaber se presentara en la Ciudad de México, en Foro Corona el 04 de Noviembre del 2016. pronto les tendremos más información de este evento.

Nicole Moudaber & Skin BREED The RMXS EP‘BREED The RMXS’ EP Tracklist

1. Nicole Moudaber feat. Skin – Someone Like You (Carl Craig Remix)
2. Nicole Moudaber & Skin – Don’t Talk To Me I’m Dancin’ feat. ZFK (Jamie Jones Remix)
3. Nicole Moudaber & Skin – These Walls Are Made Of Water (Pan-Pot Remix)
4. Nicole Moudaber & Skin – You Like This (Paco Osuna Remix)
5. Nicole Moudaber & Skin – Organic Love (Scuba Remix)
6. Nicole Moudaber & Skin – These Walls Are Made Of Water (Paul Ritch Remix)
7. Nicole Moudaber & Skin – Organic Love (Fur Coat Remix)
8. Nicole Moudaber & Skin – You Like This (Hector Remix)
9. Nicole Moudaber & Skin – Don’t Talk To Me I’m Dancin’ feat. ZFK (Jerome Sydenham Remix)
10. Nicole Moudaber & Skin – You Like This (MJ Hall Remix feat. Luz Wang)

 

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Led Zeppelin Gana Juicio por Stairway to Heaven

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Stairway to Heaven es una de las canciones más icónicas del ROCK y ha sido considerada una de las obras maestras del género. Sin embargo, la canción se encontró en el centro de un juicio por plagio que comenzó el pasado 14 de junio. La demanda por plagio fue interpuesta por Michael Skidmore, quien fue designado albacea en el testamento del fallecido guitarrista Randy ‘California’ Wolfe. Wolfe fue guitarrista de la banda de rock Spirit, quienes en 1968 lanzaron un disco donde se encuentra una canción llamada Taurus. Michael Skidmore alega que Led Zeppelin plagió la intro de Taurus y la usó en la introducción de Stairway to Heaven.

En el segundo día del juicio, Robert Plant y Jimmy Page, ex-vocalista y ex-guitarrista respectivamente de Led Zeppelin, fueron llamados a declarar en la corte. Page, creador de Stairway to Heaven, defendió su obra diciendo que la progresión de acordes del intro es muy popular y recurrente en la historia de la música por lo que es natural que existan similitudes entre las dos canciones. También declaró que Led Zeppelin solía tocar un cover de una canción de Spirit llamada Fresh-Garbage y que poseía algunos disco de ellos pero que nunca había escuchado el tema de Taurus hasta hace algunos años.

Por el otro lado, Mark Andes, quien fue bajista de Spirit, testificó que en su opinión la introducción de las dos canciones es la misma y que las dos bandas coincidieron en un show en Denver en 1968. Andes declaró que Led Zeppelin fue la banda abridora en esa ocasión y que Spirit tocó Taurus en ese concierto por lo que si es posible que Page hubiera escuchado la melodía. También dijó que en una ocasión en 1970, salió de parranda con Robert Plant después de un show en Birmingham.

En el tercer día del juicio, el fiscal que llevaba el  caso, Francis Malofiy, mostró una grabación de la canción Chim Chim Cher-ee del musical Mary Poppins y le preguntó a Jimmy Page si esa canción había inspirado a Stairway to Heaven. El guitarrista sonrió y negó que esa hubiera sido la inspiración detrás de la canción y dijó: “Pienso que he dicho que la sequencia de acordes [de Stairway to Heaven] es muy similar porque esa secuencia de acordes ha estado por siempre. “

El juicio acabó el pasado 23 de junio cuando el jurado dictaminó a favor de Led Zeppelin, lo que es una victoria para la banda, protegiendo su lugar en la historia de la música contemporanea.

Jimmy Page y Robert Plant reaccionaron a la noticia con el siguiente comunicado: “Estamos agradecidos por el conciensudo servicio del jurado y satisfechos de que ha decidido a nuestro favor, acabando con los cuestionamientos a cerca de los orígenes de Stairway to Heaven y confirmando lo que hemos sabido por 45 años.”

 Stairway to Heaven apareció en el cuarto disco de la banda que salió en 1971 y es una canción de más de ocho minutos que inicia con un intro de guitarra acústica  a la que luego se van incorporando más instrumentos hasta llegar a un crecendo que explota en lo que muchos expertos consideran el mejor solo de guitarra de la historia del ROCK. A su vez, Taurus es un instrumental de dos minutos y medio que consiste de una guitarra acústica acompañada de un arreglo de cuerdas. La canción apareció en el disco debut de Spirit en 1968.

Los que tengan curiosidad de escuchar las dos melodías pueden hacerlo al escuchar Taurus a partir del segundo 42 hasta el minuto 1:10 y luego comparar el fragmento de 28 segundos con la introducción de Stairway to Heaven.

Este es un video de Led Zeppelin tocando Stairway to Heaven en vivo en el Madison Square Garden de Nueva York:

 

La Santa Cecilia: Música que comparte experiencias

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La Santa Cecilia, es música que rompe fronteras, une las experiencia de vida de sus integrantes, que como muchos latinoamericanos son personas que han tenido que migrar a un país extraño para desarrollarse, asimismo, comunican y comparten sentimientos acerca de los diversos problemas que se viven en la actualidad.

La banda mexicoamericana tiene nueve años de trayectoria y seis producciones con alta calidad musical que mezclan géneros tan diversos como el JAZZ, el ROCK, el BOLERO y la música tradicional mexicana. No olvidan una de sus raíces. Ni existen los estereotipos para ellos van de la CUMBIA a la RANCHERA.

En 2014, La Santa Cecilia, integrada por La Marisoul, Alex Bendaña, Pepe Carlos y Miguel Ramírez “El Oso”, ganó en 2014 el premio Grammy Latino a mejor álbum de rock latino por “30 días”, mismo galardón por el que competían con la banda ícono de México, Café Tacuba. Dicha producción les ha abierto las puertas a la internacionalización.

A este conjunto de jóvenes mexicanos les inspira a hacer canciones sobre el amor y la vida, las circunstancias adversas que han vivido como la falta de documentos para poder reunirse. En “30 días”, ellos relatan esa situación, simpatizan con los que han sufrido lo mismo y humanizan la situación que viven los inmigrantes.

Buenaventura

“Buenaventura”, es su última producción y ahora está en proceso de edición en formato físico, aunque en digital se le puede encontrar, La Santa Cecilia quiere diversificar su público entre los temas que conforman al álbum están: los cuales destacan “I won’t cry for you”, “Calaveritas” y los duetos “Tragos de amargo licor” con Enrique Bunbury y “Vámonos” con Fito Paez, entre otras más, con las que la banda quiere confirmarse como una propuesta cultural y musical distinta.

El adiós de Aerosmith

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Aerosmith, banda liderada por Steven Tyler, anunció, a través de su cuenta oficial de Twitter, su próxima visita a la capital mexicana el 27 de octubre, en la Arena Ciudad de México, donde tocó por última vez en 2013. Esta presentación forma parte de la gira de despedida “Rock N’ Roll Rumble Aerosmith Style 2016”, que recorrerá desde septiembre países como Bolivia y Brasil.

La histórica banda estadunidense, se consolidado como una de la más exitosas de la música, sus ventas ascienden a 150 millones de álbumes a lo largo y ancho del mundo y ha sido incluida en el Rock and Roll Salón de la Fama, en el que comparten estancia con Led Zeppelin y The Rolling Stones, junto con otros grandes exponentes del género.

A su admirable carrera se añaden reconocimientos de talla mundial como cuatro Grammy, ocho American Music Awards, aparecer en diversas ocasiones los 200 Billboard y 12 MTV Video Music Awards, ser la banda mejor banda número 57 de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone, entre otros premios.

Entre sus canciones más reconocidas están “I Don’t Want to Miss a Thing” del álbum Armageddon (1980), “Dream On” (1973), “Crazy” (1980) y una de las canciones que demostró la versatilidad del grupo en cuanto a géneros “Walk This Way” (1973), que mezcla el rock de la banda con rap.

“The Getaway”, el nuevo álbum de Red Hot Chili Peppers

RHCP Red Hot Chili Peppers




El día de hoy la banda Californiana, Red Hot Chili Peppers, dio a conocer por medio de su cuenta oficial de Twitter su nuevo álbum discográfico llamado “The Getaway”. The Getaway fue producido por Danger Mouse y mezclado por Nigel Godrich.

El álbum físico estará disponible a partir del 17 de junio de este año. Puedes pre-ordenarlo mediante la tienda iTunes o por Google Play.

La agrupación aparte de revelar el nombre del nuevo disco y de su tracklist, nos dejo su primer sencillo llamado “Dark Necessities”.

A continuación les dejamos el Tracklist de The Getaway y el videoclip de Dark Necessities para que puedan disfrutarlo igual que nosotros y nos den su opinión de que les pareció su nueva canción.

Tracklist:

  1. The Getaway.
  2. Dark Necessities.
  3. We Turn Red.
  4. The Longest Wave.
  5. Goodbye Angels.
  6. Sick Love.
  7. Go Robot.
  8. Feasting on the Flowers.
  9. Detroit.
  10. This Ticonderoga.
  11. Encore.
  12. The Hunter.
  13. Dreams of a Samurai.

 

 

PJ Harvey lanza su Nuevo Disco, The Hope Six Demolition Project

PJ-Harvey



Este 15 de abril la artista y comopositora inglesa PJ Harvey lanza su nuevo disco The Hope Six Demolition Project. Este álbum le sigue al anterior Let England Shake que fue alabado por la crítica y ganó varios premios al disco del año incluyendo el Mercury Prize en el 2011. El nuevo disco tiene una fuerte carga social ya que Harvey viajó por el mundo documentando la vida en varias comunidades marginadas y con violencia para inspirarse y crear nueva música. El resultado es un experimento bastante interesante en donde se se mezclan periodismo, activismo social y ROCK, y en donde la cantante a veces se limita describir lo que ve o a repetir lo que otras personas dicen como si el disco fuera una especie de documental.

Un ejemplo de esto es la canción The Community of hope para el cual la compositora pidió ayuda al periodista Paul Schwartsman del Washington Post para que le diera un recorrido en auto por las calles del barrio conocido como Ward 7 de Washington D.C.. Ese lugar es un área con mucha pobreza y con una mayoría de habitantes afroamericanos que viven con muchas dificultades en la capital de la nación más rica del planeta. En la letra y el video de la canción uno puede ver el proceso creativo de PJ Harvey, en el que describe la vida en Ward 7. La respuesta de la comunidad no se hizo esperar y políticos locales se quejaron de que el tema daba una mala impresión del lugar.

Otro ejemplo es la canción The Wheel donde la cantante viajó por Kosovo, una joven nación europea desgarrada por años de guerra, en motocicleta. Esta canción también cuenta con un video del viaje donde PJ Harvey canta acompañada de una guitarra eléctrica agresiva y con influencia del blues mientras unas guitarras acústicas omnipresentes tocan pesados acordes.

El experimento continua en otras canciones como Dollar Dollar, en el que la compositora viajó a Afganistan y se inspiró en los niños mendigos pidiendo dólares a los extranjeros. Las canciones del álbum es fiel al estilo de ROCK, PUNK y BLUES al que PJ Harvey nos tiene acostumbrados y el álbum sigue una premisa hecha de manera original que llama a la reflexión sobre el papel de la música popular contemporánea con el mundo que la rodea. Lo interesante de la propuesta es el método de investigación al que recurrió Harvey y que le da fuerza a las canciones del disco.